Новости

Как всегда по понедельникам, собрали для вас самые важные музейные события текущей недели. ВАЖНАЯ ИНФОРМАЦИЯ С 4 ноября открытие выставки «Природа фотографии» 📍Крымский Вал, 10 Выставка «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» работает последнюю неделю – по 8 ноября 📍Кадашёвская набережная, 12 ЛЕКЦИИ 📍Лаврушинский переулок, 12: 3 ноября 19:00 «Накануне монголо-татарского нашествия. Древнерусская живопись первой половины XIII века» 5 ноября 19:00 «Александр Иванов» 6 ноября 19:00 «Александр Иванович Замошкин» 7 ноября 12:00 «Волшебный мир Михаила Врубеля» 7 ноября 15:00 «Сирень» 8 ноября 12:00 «Подводный и небесный мир» 8 ноября 15:00 «Романтизм» 📍1-й Голутвинский переулок, 16, стр. 1: 6 ноября 19:00 «Павел Третьяков и Василий Верещагин» 📍Крымский Вал, 10: 7 ноября 13:00 «Павел Филонов» 8 ноября 13:00 «Вновь о героях Трои: “Энеида” Вергилия в искусстве Нового времени» ТВОРЧЕСКИЕ ЗАНЯТИЯ: 📍Крымский Вал, 10: 4,7 и 8 ноября «Мастерская живописца-авангардиста» 4,7 и 8 ноября «Мастерская живописца-новатора» ЭКСКУРСИИ 📍Крымский Вал, 10: 4, 6, 8 ноября Искусство русского авангарда 7 ноября Искусство ХХ века 8 ноября Искусство 1920 – 1940-х годов 📍Лаврушинский переулок, 10: 7, 8 ноября Шедевры русской живописи XVIII - XIX веков 📍переулок Васнецова, 13: 7, 8 ноября Обзорная экскурсия по музею Виктора Васнецова КИНО 📍Крымский Вал, 10: 3 ноября 20:30 Филонов 📍Лаврушинский переулок, 12: 4 ноября 13:30 Четыре жизни Петра Мамонова 4 ноября 16:00 Фьорд 4 ноября 19:00 Жертвоприношение 6 ноября 19:00 Лето в Бадене 7 ноября 13:00 Сто дней после детства 7 ноября 15:30 Процесс Жанны д’Арк 7 ноября 17:30 Дом, который построил Джек 8 ноября 15:00 Привычка нюхать пальцы. Меня пожирает собственная кровать 8 ноября 19:00 Карманник Подробности и билеты Желаем вам прекрасной недели и ждем в гости в музее!

В рамках выставки «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» мы подготовили спецпроект, в котором рассказываем об истории цвета, встречающегося на полотнах мастера. Завершающий выпуск рубрики посвящаем оттенкам синего. Считается, что азурит – один из первых синих пигментов природного происхождения. Залежи этого минерала встречались в Древнем Египте, поэтому местные жители использовали его для создания синей краски, с помощью которой, в свою очередь, расписывали гробницы. Азурит давал насыщенный, яркий синий цвет, но у него был существенный недостаток: со временем минерал под воздействием влаги тускнел и становился зеленым. Немногим позднее египтяне разработали новый пигмент, который, в отличие от азурита, был синтетическим и очень стойким. Благодаря этим качествам «египетский синий» приобрел популярность и стремительно распространился среди мастеров Средиземноморья и Ближнего Востока. В Средневековье и эпоху Возрождения одним из главных пигментов стал ультрамарин, который получали путем сложнейшей обработки лазурита. В результате художники стали использовать синий цвет только для написания самых важных элементов на картине – такая «экономия» краски обуславливалась ее высокой стоимостью и редкостью. Лишь в XVIII–XIX веках с развитием химической промышленности появились новые и недорогие синие пигменты: кобальт, церулеум и другие. В творчестве Борисова-Мусатова синий цвет нередко выступал цветовой доминантой. Пышные кринолины, ясное небо, архитектура – все на полотнах художника приобретало особое «звучание» с помощью оттенков кобальта и лазури. Об особенностях цветовой палитры мастера сказал его товарищ детства, писатель Александр Федоров: «Глаз каждого истинного художника видит природу в тех тонах, которыми озарена от рождения его душа. <...> У Мусатова душа была синяя и прозрачная, как весеннее небо среди белых легких облаков, оттого и во всех его картинах синий тон сквозит, как нота la — во всех голосах природы». В рамках рубрики составили для вас тематическую подборку картин художника. Увидеть многие из этих произведений вы можете на выставке «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной по 8 ноября. Купить билет Генеральный спонсор выставки - ВТБ

Сегодня в нашей рубрике рассказываем о произведении Василия Верещагина «Раджнагар. Мраморная, украшенная барельефами набережная на озере Удайпуре». Верещагин исполнил этот этюд во время путешествия по Индии. На полотне мастер запечатлел Удайпур – столицу бывшего княжества на Северо-Западе страны, ныне город в штате Раджастхан. Это место, расположенное на островах среди искусственных и естественных озер, украшенное великолепными мраморными зданиями, набережными с лестницами и павильонами, пользовалось славой «Индийской Венеции». Красоту местной архитектуры также подтверждает и изображенный на берегу озера дворец Махарани, который принадлежал владельцу Удайпура. Как правило, для каждой серии картин Василий Верещагин заказывал одинаковые или похожие по стилю рамы, нередко по своему декору перекликающиеся с живописью. Поэтому украшенное ориентальными мотивами обрамление «созвучно» своим геометрическим орнаментом с узором, нанесенным на мраморные своды набережной – такой прием позволяет зрителю ощутить себя вовлеченным в пространство композиции. За счет глубины рамы художник добивался усиления эффекта перспективы в этюде. Также на раме, как и на некоторых других картинах индийской серии, сохранились фрагменты восьмиугольной бумажной наклейки с данными мастерской П. Омбера в Париже, что позволяет атрибутировать и подтвердить подлинность рамы. Увидеть произведение и детально рассмотреть его обрамление можно в зале №27 постоянной экспозиции Третьяковской галереи в Лаврушинском переулке.

30 октября 1902 года родился художник Семен Чуйков. Индийские мотивы вошли в творчество Чуйкова в 1952 году после его первой поездки в Индию – прекрасную страну с древними традициями, культурой, интересными людьми и своеобразной природой. В результате, впечатления от поездки, продлившейся три с половиной месяца, послужили источником для создания живописных полотен и написания книги «Образы Индии». Семен Чуйков признавался, что в своих «индийских» работах он намеренно избегал «пресловутой экзотики, которой насмотрелся на полотнах моих русских предшественников». Опасения «скатиться до слонов с обезьянами на фоне сверкающих золотом узорчатых храмов» не оправдались, поскольку, по словам художника, «попав в Индию, только что освободившуюся от колониального гнета, и увидев этих ослепительно красивых, ласковых людей с детски чистыми глазами, в античных одеждах, я не мог не восхититься ими». Произведение «На набережной Бомбея вечером» Чуйков окончил в Москве, лишь спустя два года после первой поездки. Во время написания картины мастер использовал привезенные из Индии натурные этюды – в 1952 году, не рассчитывая на серьезную работу в незнакомой ему стране, он взял с собой только «маленький дорожный этюдничек». На полотне художник изобразил пеструю толпу, заполнившую в вечерних сумерках набережную Аравийского моря. В многообразии движений, поз, ярких одежд Чуйков старался передать все очарование и красоту местных жителей. Также по задумке автора фигуры, окутанные влажным приморским воздухом и сумеречным светом, органически сливаются с пейзажем и силуэтом гор вдали. В день рождения Семена Чуйкова делимся его «индийскими» работами из собрания Галереи.

Друзья, приглашаем вас в Третьяковскую галерею на Крымском Валу, где 3 ноября с 18:30 до 22:00 пройдет традиционная «Ночь искусств». Для гостей музея подготовлена насыщенная программа: посещение новой выставки до ее официального открытия, а также специальный кинопоказ со вступительной лекцией. • В рамках акции посетители смогут стать первыми зрителями на выставке «Природа фотографии», которая раскроет широкое разнообразие подходов к изображению пейзажа. Помимо произведений из собрания Галереи в экспозиции будут представлены работы победителей конкурса мобильной фотографии HUAWEI XMAGE – проекта, объединяющего любителей и профессионалов фотографии. Вход на выставку бесплатный. • Кинопоказ фильма «Филонов» – картины об одном из самых загадочных художников XX века. Перед началом сеанса для зрителей пройдет вступительная лекция о Павле Филонове от методиста Галереи. Начало кинопоказа в 20:30. Для посещения необходимо предварительно зарегистрироваться по ссылке Подробная информация о событиях музея в рамках акции «Ночь искусств» доступна на нашем сайте Ждем вас в гости! Фото: ГТГ/Иван Новиков-Двинский

29 октября 1861 года родился живописец Андрей Рябушкин. Всю жизнь Рябушкин был страстным почитателем русской музыки. В раннем детстве он пел в церковном хоре, любил оперы Римского-Корсакова и произведения Балакирева, умел играть на скрипке, гитаре, балалайке и гармошке. Однажды мастер даже самостоятельно сделал черемисские гусли по оригиналу, увиденному в трактире в Нижнем Новгороде. Музыкальные мотивы встречались и в творчестве Андрея Рябушкина. Так, в произведении «Слепой гусляр, поющий старинку» художник изобразил незрячего музыканта в белой рубахе, задумчиво перебирающего струны гуслей и поющего песню. А рядом с ним – светловолосого мальчика, завороженного звуками народной мелодии. Над героями картины мастер расположил образцы оружия Древней Руси: меч, саблю и нож. Помимо этого, Рябушкин с большим вниманием к деталям изобразил и музыкальный инструмент – крепкий деревянный корпус гуслей, яркий декоративный узор на нем и тонкие струны. Историческая достоверность этих предметов обуславливалась интересом художника к быту, культуре и искусству Древней Руси – Рябушкин целенаправленно изучал народное творчество и собирал старинные изделия. Благодаря своей насмотренности мастеру удалось передать дух Древней Руси, перенося зрителей туда, где оживают песни гусляров. В день рождения Андрея Рябушкина показываем это и другие произведения художника из собрания Галереи.

До закрытия выставки «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» осталось 11 дней. Фотограф вместе с галереей отправился в выставочные залы и сделал кадры экспозиции — их можно рассмотреть в сегодняшней подборке. Приглашаем также лично посетить выставку и отыскать свою «гармонию образа». Билеты доступны по ссылке. Генеральный спонсор выставки — ВТБ. Фото: ГТГ / Иван Новиков-Двинский.

В связи с возможными перебоями в работе мобильного интернета в Москве с 27 по 29 октября просим посетителей заранее распечатать электронные билеты или сохранить их на мобильном устройстве перед посещением Галереи.

27 октября 1886 года родился художник Роберт Фальк. С юности он увлекался изобразительным искусством: уже в семь лет вёл своеобразный рисовальный «дневник», зарисовывая на листах бумаги все впечатления дня. К шестнадцати годам Роберт окончательно определился с будущей профессией, отказавшись от других творческих интересов. В воспоминаниях художник писал: «Примерно к 11-ти годам увлечение рисованием перебило увлечение музыкой. К 16-ти годам я изрядно играл на рояле и готовился поступить в Консерваторию, но летом 1903 года мне подарили масляные краски, и я снова страстно увлекся живописью. По целым дням я проводил со своим этюдником где-нибудь у пруда, на солнечной полянке леса, на огороде у плетня, с необыкновенным старанием я старался передать все подробности полюбившегося мне пейзажа. Это был, может быть, единственный счастливый период, когда я был вполне доволен своими произведениями. Я решил бросить совсем музыку и стать во что бы то ни стало художником. Отец очень протестовал против этого, предлагал мне выбрать профессию юриста, зубного врача или иную положительную, респектабельную профессию. Он уверял, что у меня вовсе нет живописного таланта и что я всегда буду посредственным художником. “Пусть я буду совсем плохим художником, но я хочу быть только им”, – твердил я». Юношеские колебания между музыкой и живописью разрешились в пользу последней: в 1905 году Фальк поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Пройдя по конкурсу одним из первых, Роберт смог «примирить» родителей со своим решением стать живописцем. В день рождения мастера делимся подборкой его работ из собрания Третьяковской галереи.

26 октября 1842 года родился живописец Василий Верещагин. Его творчество разнообразно: батальные произведения, жанровые картины, пейзажи и портреты. Вдохновение мастер черпал в многочисленных поездках по России, Азии, Европе, Америке и Ближнему Востоку. Сын художника Василий вспоминал: «Отец часто отлучался для далеких путешествий, из которых всегда привозил обширный материал – этюды, наброски, рисунки, а также костюмы, утварь, всю ту фактическую основу, которая необходима была для создания задуманных им новых картин». Особое место среди этих работ занимали этнографические портреты и зарисовки национальных типажей, в которых Верещагин детально воссоздавал не только внешние характеристики, но и психологические черты, а также культурные особенности разных народов мира. Во время второго путешествия по Туркестану он добрался до пограничных областей с Китаем и Маньчжурией. Здесь мастер выполнил зарисовки местности и ее жителей — ойратов, сибо и солонов. О последних художник писал, что «Солоны – это монголы с примесью малайского элемента…», и что они «отличаются отважностью, ловкостью и смелостью». В дополнение к литературному описанию Верещагин запечатлел образ женщины племени солонов. На полотне мастер стремился детально передать ее внешность: смуглый тон кожи, пухлые губы, характерный разрез глаз и плоский нос. Помимо этого, художник показал фрагмент традиционной одежды героини, а также гладко зачесанные и убранные в прическу на китайский манер волосы. Их украшают лента, нарядные заколки и гребень, выполненный в одном стиле с серьгами. В день рождения Василия Верещагина делимся этим и другими национальными портретами мастера из собрания Галереи.

В рамках выставки «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» Третьяковка в Самаре подготовила спецпроект — об истории цветов, встречающихся на полотнах мастера. Третий выпуск рубрики посвящён жёлтому. Жёлтая охра — один из древнейших природных пигментов: его получали из богатой железом глины, смешанной с водой, и использовали в наскальной живописи. В Древнем Египте и Античности на смену «глиняной» краске пришла новая — из природного сульфида мышьяка. Несмотря на токсичный состав, ярко-жёлтый пигмент был очень популярен среди живописцев вплоть до XIX века. В средневековой Европе стали производить свинцово-оловянный жёлтый пигмент, который позже ценили художники Возрождения: краска получалась плотной и густой, что помогало создавать пастозные мазки и имитировать блеск золота или солнечного света. В XVIII и XIX веках с помощью химических элементов палитра художников обогатилась множеством новых оттенков жёлтого. Для Борисова-Мусатова жёлтый часто выступал акцентом, который «загорался» яркими красками на фоне сумрачного зелёного. Мастер использовал жёлтую краску и в пейзажах: приглушённые охристые и золотистые оттенки помогали добиться нужного эмоционального настроения композиции — светлой печали о прошедших днях, чувства покоя или тихой радости. В рамках рубрики составили тематическую подборку картин художника. Увидеть многие из этих произведений можно на выставке «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной по 8 ноября. Купить билет: Генеральный спонсор выставки — ВТБ.

24 октября 1875 года родился живописец Константин Юон. Главные темы его творчества — пейзажи старинных русских городов и жизнь простых обывателей. Мастер с увлечением путешествовал по стране, подолгу останавливаясь в Сергиевом Посаде, Угличе, Пскове, Новгороде, Ярославле и других провинциальных городах. Наблюдение за повседневной жизнью пробуждало в художнике неиссякаемое любопытство: он изучал народные костюмы, типичные для разных местностей, находил бесхитростную красоту в ярких ситцевых платках, душегреях, цветных кушаках и старинных крестьянских головных уборах. Народные гулянья и балаганы привлекали живописца праздничной пестротой и общим мажорным настроением. Поэтому в своих произведениях Юон проявил себя истинным мастером многофигурных жанровых композиций, исполненных с особой живостью и наблюдательностью. Большое внимание он уделял также историческим памятникам и архитектуре. Юон говорил, что ему «хотелось писать картины, как пишутся песни о жизни, об истории русского народа, о природе, о древних русских городах». Произведение «Сельский праздник. Тверская губерния» мастер написал в селе Петровское в 1910 году. В дореволюционную пору народные праздники определялись православным календарём, поэтому, возможно, запечатлённое Юоном событие — это празднование дня Святой Троицы. В 1910-х годах у живописца уже был опыт создания театральных декораций, поэтому он разворачивает перед зрителем настоящую театральную сцену. Пёстрые ярмарочные ряды в глубине оживляют прогуливающиеся сельчане, а передний план художник наполняет отдельными группами людей, которые, подобно актёрам, разыгрывают свою мизансцену. Эта «режиссура» будто бы и не заметна зрителю, но создаёт на холсте шумное, бурлящее разговорами и радостью действо, захватывающее и вовлекающее в своё пространство. В день рождения Константина Юона делимся этим и другими «праздничными» произведениями из собрания Галереи.

В конце 1896 года, во время учёбы в Париже, Борисов-Мусатов задумал большое полотно на поэтически-философскую тему. Он называл будущую картину «Maternité» — «Материнство» — и хотел написать «цветущий сад, где всё молодо, зелено». В работе мастер также планировал изобразить жизнь человечества в обликах юных девушек, женщины, окружённой детьми, и старика-садовника среди прекрасной весенней природы. Несколько подготовительных этюдов к картине Виктор Эльпидифорович исполнил летом 1897 года в своём саду в Саратове, который художник называл «зелёной мастерской». Особое внимание живописца там привлекли диковинные агавы с упругими листьями. Эти растения вдохновили мастера на создание ряда работ, среди которых был и этюд к «Материнству» — «Девушка с агавой». Моделью для полотна стала сестра художника Елена. Позднее девушка вспоминала: «Осенью <…> писал меня в профиль и агаву в холодных сине-зелёных тонах. Время соответствовало сюжету, так как наступал сентябрь месяц. Наши друзья поражались, говоря, что я как бы жертвовала своим здоровьем, позируя на холоде после болезни (перенесла скарлатину), но меня это не останавливало, я хорошо понимала брата, что он решает задачу в отношении сочетания осенних красок, тем более, работал с увлечением». Действительно, в этом произведении первостепенными для художника были не портретные, а чисто живописные задачи — главным образом его интересовала передача игры солнечного света и теней на траве, листьях агавы, лице и блузе модели. Здесь Борисов-Мусатов применил импрессионистический метод работы: введение синих и фиолетовых теней, использование длинных, положенных рядом мазков, а также чистых, не смешанных на палитре цветов. Картина «Материнство» так и осталась неосуществлённой, однако сохранились подготовительные этюды к ней. Приглашаем полюбоваться ими вживую на выставке «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной по 8 ноября. Генеральный спонсор выставки — ВТБ.

22 октября 1869 года родился художник Филипп Малявин. Ещё при жизни он стал известен как художник-портретист: работал на заказ, создавал яркие собирательные образы крестьян, а также запечатлевал свою семью, друзей и товарищей по учёбе в мастерской Ильи Репина. Ещё студентом Высшего художественного училища Малявин ярко проявил дар портретиста и показал высокое мастерство. Об этом писал его одногруппник, художник Игорь Грабарь: «Однажды он принёс свой ящик с красками и, подойдя ко мне, просил попозировать ему для портрета. Я только что укрепил на мольберте подрамник высокого и узкого формата с новым холстом, чтобы начать этюд с натурщика. Малявин попросил у меня взаймы подрамник и в один сеанс нашвырял портрет, который произвёл сенсацию в Академии. Портрет был закончен в один присест, и это так всех огорошило, что на следующий день сбежались все профессора смотреть его; пришёл и Репин, долго восхищавшийся силой лепки и жизненностью портрета. Правда, утром, пока ещё никого не было, Малявин просил меня ещё попозировать с часочек и прошёлся по нему сверху донизу, сильно улучшив разные места и доведя его до нужного завершения». Про этот случай вспоминал и сам Илья Репин: «Малявин забрался в этюдный класс и, в антрактах, „откатал“ портрет с Грабаря-Храброго – чертовски!! За его спиною во время работы стояла толпа. Грабарь как живой стоит, покачнувшись вперёд, заложив руки в карманы. Написано поразительно широко и живо – впереди палитра – так хочется её принять, совсем как живая и написана с небывалой ещё в живописи лихостью». В день рождения Филиппа Малявина собрали для вас подборку самых ярких его портретных работ из собрания Галереи.

Третьяковка в Самаре предлагает насладиться погожим осенним вечером. 🖼 И. Похитонов. «Тру-Луэт. Осенний вечер». 1895.

В Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной открылась выставка народного художника Российской Федерации, академика Российской академии художеств, профессора Ивана Леонидовича Лубенникова. Экспозиция приурочена к 75-летию мастера и представляет лучшие живописные произведения художника. Лубенников получил образование в мастерской монументальной живописи Клавдии Тутеволь в Московском государственном художественном институте имени В.И. Сурикова. Среди его наиболее известных монументальных проектов — оформление Государственного музея В.В. Маяковского, станций московского метро «Сретенский бульвар», «Славянский бульвар» и «Маяковская», а также витраж «Курочка Ряба» на станции метро «Мадлен» в Париже. Но настоящую народную славу Лубенников снискал как живописец. Он создал собственный неповторимый почерк, виртуозно сочетая приёмы современного и классического искусства, зарубежной и русской живописи. Его полотна отличают мастерская работа с пространством, остроумные сюжеты и скрытая за внешней простотой метафоричность. 📍 Кадашёвская набережная, 12, 1 этаж, зал 1. Билеты — по ссылке. Генеральный партнёр — ВТБ.

Окно — один из самых тонких образов в искусстве. В жизни оно одновременно является границей и возможностью: отделяет нас от мира, но в то же время позволяет миру войти к нам — светом, движением, цветом, сменой сезонов, чужой жизнью. Вид из окна меняется даже тогда, когда кажется, что ничего не происходит: утром свет падает иначе, чем вечером; заканчивается дождь; в соседнем доме загораются окна. Это очень простая форма переживания времени — не через часы и расписание, а через наблюдение за изменениями. Некоторые виды из окна становятся частью нашей биографии. Мы помним не только комнаты, в которых жили, но и то, что было за стеклом: двор родительского дома, дерево, стучащее ветвями в окно нашей первой квартиры, крыши нового города из окна гостиницы. Пейзаж словно сохраняет эмоциональный отпечаток определенного периода жизни. Возможно, именно поэтому окно так часто притягивает художников — оно позволяет говорить о времени, ожидании, одиночестве, не изображая их напрямую. В новой рубрике мы будем показывать разные изображения этого мотива. Открывает рубрику одноименное панно Марии Якунчиковой-Вебер. В период создания произведения художница жила преимущественно за границей. Этот образ тонких еловых ветвей и усадебного уюта обращается к детским воспоминаниям художницы об имении Введенское и выражает глубокую тоску по родине. При жизни Марии Васильевны панно имело для нее особое значение и неизменно украшало интерьеры заграничных квартир. В рамках рубрики приглашаем вас поделиться в комментариях — что сегодня показывает ваше окно? 🖼 М. Якунчикова-Вебер. Окно. 1896.

В рамках выставки «Виктор Борисов-Мусатов. Гармония образа» Третьяковка в Самаре подготовила спецпроект — об истории цвета на полотнах мастера. Второй выпуск рубрики посвящён оттенкам сиреневого. В древности фиолетовый краситель — тирский пурпур — получали из моллюсков семейства мурексов. Он стоил баснословно дорого: на один грамм краски требовались тысячи моллюсков, поэтому его использовали в основном для одежды правителей. Из-за дороговизны живописцы крайне редко применяли его в картинах. Чтобы получить фиолетовый цвет, художники смешивали синие пигменты — ультрамарин или азурит — с киноварью, краплаком или охрой. Для сиреневого оттенка в смесь добавляли белила. Перелом наступил в 1856 году, когда британский химик Уильям Перкин случайно синтезировал первый искусственный фиолетовый краситель — мовеин. С этого момента у художников появилась стабильная и доступная сиренево-фиолетовая краска в тюбиках. Живописцам этот цвет полюбился за многообразие смысловых оттенков — от мрачного напряжения до прозрачной лёгкости и безмятежности. Особенно часто фиолетовый и сиреневый использовали импрессионисты. Эдуард Мане утверждал, что фиолетовый — это цвет свежего воздуха. В живописи Виктора Борисова-Мусатова сиреневый приобретает особую выразительность: он становится не просто цветом предметов или одежды, а самой атмосферой картины. В его полотнах зритель словно оказывается в пространстве воспоминания. Сады, усадебные интерьеры, женские фигуры в длинных платьях существуют в особой реальности: всё узнаваемо, но будто уже принадлежит прошлому. Сиреневые, лиловые и жемчужные оттенки объединяют фигуры и пейзаж, смягчают очертания, растворяют предметы в воздухе. Цвет перестаёт описывать мир и начинает передавать состояние души. В рамках рубрики составлена подборка картин Борисова-Мусатова в сиреневых оттенках. Многие из этих произведений можно увидеть на выставке художника в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной по 8 ноября. Генеральный спонсор выставки — ВТБ.

17 октября 1857 года родился художник Степан Бакалович. Его творчество неразрывно связано с Античностью: как правило, главными героями его картин становились жители Древнего Рима. Увлечение этой эпохой возникло у Степана Владиславовича после окончания Академии художеств. Отправившись в пенсионерскую поездку, живописец поселился в Риме и, впечатлённый красотой и историей города, остался в Италии до конца жизни. Сосредоточившись на античной теме, Бакалович внимательно изучал итальянскую архитектуру, скульптуру и даже участвовал в археологических раскопках. В 1884 году мастер писал в Академию художеств о своём интересе: «Занимаясь специально этого рода сюжетами, одно из главных моих занятий здесь — изучение греко-римской археологии и искусства, древней литературы и истории». Благодаря такому детальному анализу материала небольшие по формату жанры Бакаловича отличались не только филигранной художественной техникой, но и поразительной исторической точностью. Именно поэтому работы мастера пользовались большим успехом у современников и находили своё место в интерьерах библиотек и кабинетов просвещённых любителей Античности. В день рождения Степана Бакаловича делимся его жанровыми работами в «античном вкусе» из собрания Галереи.

Выставка «Цветы. Символ красоты» подходит к завершению, но мы не можем так просто попрощаться с произведениями, которые дарили нам столько эстетического удовольствия и поводов для размышлений. Предлагаем ненадолго вернуться в экспозицию: вместе с доктором искусствоведения Борисом Михайловичем Соколовым мы прошли по залам и остановились у самых ярких и значимых произведений. Поговорили о цветах в искусстве — о том, почему художники вновь и вновь обращаются к их образам, какие смыслы скрываются за нежными лепестками и как в хрупкой красоте цветов раскрываются чувства, символы и целые истории. Посмотрите видеоэкскурсию, чтобы вновь окунуться в атмосферу выставки, увидеть любимые работы и, возможно, открыть в них то, что раньше оставалось незамеченным. Посетить выставку можно по 18 октября в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной. Ждём вас! Видео: ГТГ / Федор Лавров. Генеральный партнёр проекта — Сбер.

Продолжаем регулярную рубрику в которой рассказываем о флориографии растений. Сегодня речь пойдёт о ярких тюльпанах. Считается, что культивирование тюльпанов началось около XI века на Ближнем Востоке, а своё название цветы получили в честь персидского слова «тюрбан» из-за внешнего сходства с головным убором. Уже в XVI веке тюльпаны были завезены в Европу. А в XVII веке, в период «тюльпаномании», луковицы этих цветов стали самыми дорогими среди других растений. В Викторианскую эпоху тюльпаны означали признание в любви или были символом благотворительности. Однако благодаря своей разнообразной палитре эти цветы приобрели множество смыслов: красные «говорили» о страсти, жёлтые — о безнадёжной любви или ревности, белые символизировали прощение или несли послание «я достоин тебя», розовые означали привязанность и заботу, а фиолетовые — восхищение. В рамках рубрики подготовили для вас подборку с изображениями тюльпанов. Узнать больше о цветах в искусстве вы можете на мероприятиях, которые проходят в рамках культурно-просветительской программы к выставке «Цветы. Символ красоты». Генеральный партнёр проекта — Сбер.

Скульптор Аделаида Пологова — яркий представитель поколения 1960-х. Начало её творческого пути хронологически совпало с появлением «сурового стиля», но собственный художественный метод был слишком индивидуальным и не вписывался в рамки какой-либо группы. Уже в ранних работах Пологова отошла от традиционных канонов, отдавая предпочтение живому воображению и самобытному видению мира. Игровое начало, свойственное многим её произведениям, раскрывалось прежде всего через выразительность формы и нестандартные пластические решения. Будучи смелым новатором, она часто окрашивала и расписывала скульптуру, что сближало её произведения с народной игрушкой, а также с античной традицией. Особое место в наследии Аделаиды Германовны занимают работы из цикла «Материнство». В 1987 году она создала, по словам художника Дмитрия Жилинского, «самую прекрасную скульптуру нашего времени» — «Иди и след мой сохрани». Произведение посвящено памяти матери, которая ушла из жизни, когда дочь была совсем юной. Не менее трагичен и собственный материнский опыт Пологовой: с сыном Алешей ей пришлось расстаться на многие годы после его отъезда в эмиграцию. Пологова применила необычный приём: она превратила грудь женской фигуры в сияющую золотом плоскость, придав произведению полностью символическое звучание. Очень выразительны и живы руки матери, которыми она словно направляет и отпускает своего младенца во внешний мир. «Материнское напутствие привело к созданию этой такой неузнаваемо-узнаваемой новой Мадонны, где святая тема материнства получила высшее выражение», — писала искусствовед Елена Мурина. Увидеть скульптуру сейчас можно в зале №30 экспозиции «Искусство XX века» на Крымском Валу. Фото: ГТГ / Федор Лавров.

14 октября 1887 года родился художник и график Петр Митурич. Петр Васильевич работал преимущественно как художник-станковист и только с натуры — в галерее мастера почти не было рисунков, выполненных по памяти или воображению. Графика Митурича, как правило, подвижна, экспрессивна и наполнена жизнью. Независимо от выбранного сюжета и жанра — портрет, пейзаж, интерьер или небольшие отдельные объекты — мастер достигал динамики рисунка с помощью штриха или мазка. Митурич предпочитал непосредственно взаимодействовать с самим материалом. Свойства легкой и невесомой бумаги он усиливал с помощью художественной техники — белые фрагменты становились частью освещения или воздухом. Ученик Митурича — Петр Захаров — вспоминал, что мастер также не пользовался стирательной резинкой. Сам Митурич объяснял это так: «Она приучает Вас работать без напряжения. Прикасаться к бумаге нужно, сначала подумав. Не торопитесь, представьте вначале как в шахматах. Ведь не сразу хватаетесь за фигуру, а вначале думаете. Так и на бумаге. Головой работайте, головой, а не рукой. <...> Сердцем <...> можно писать, когда техникой овладеешь. Вот уж тогда рука сердце не подведет, тогда сердцем и пишите». В день рождения Петра Митурича делимся подборкой его графических работ из собрания Галереи.

До Нового года осталось ровно 79 дней, 5 часов и 59 минут. Если вы верите, что новогоднее настроение начинается задолго до боя курантов, самое время запланировать маленькое семейное чудо. В этом году Третьяковка в Самаре приглашает на «Ёлку у Третьяковых» — новогодний музыкальный спектакль, в котором оживают шедевры искусства, знакомые с детства образы обретают новые голоса, а стены музея становятся порталом в настоящую сказку. Прекрасная Царевна-лебедь, загадочная Луна, благородная Чайка, храбрый Серый волк и сама морская Волна — герои знаменитых картин отправляются навстречу приключениям, в которых есть место дружбе и любви, смелости и надежде, творчеству и, конечно, новогодним чудесам. Вместе с героями дети и взрослые окажутся по ту сторону музейных полотен — там, где искусство превращается в живую историю. «Ёлка у Третьяковых» — повод замедлиться в предпраздничной суете, разделить с ребёнком радость открытия и унести с собой частичку сказки, которая будет согревать ещё долго после праздников. Подробности и билеты: Для детей от 4 до 10 лет с родителями. Для бронирования билетов для организованной группы необходимо отправить заявку на электронную почту muzfamily@tretyakov.ru. Адрес: Кадашёвская набережная, 12. Изображение: А. Головин. Площадь перед дворцом близ Невы. 1900. Поддержка проекта: БФ «Доброта Севера», компания «Северсталь».